Wednesday, June 03, 2015

Interview with Bernard Szajner


Bernard Szajner was born in Grenoble, a city located in the southeast of France, on June 27, 1944. A pioneer in the artistic use visual arts as well as lasers, Szajner worked as a light designer for rock bands such as Gong, Magma, and The Who during the seventies. Feeling the need of a more tied relationship between music and lights, and sensing that musicians didn't entirely share the same feelings, Szajner decided to compose his own music to fill (and complete) his visual arts performance, creating an entirely new Light and Sound spectacle.

In 1979 Bernard Szajner released (as Zed) his first LP, "Visions Of Dune", an album based on characters and situations from Frank Herbert's sci-fi novel Dune. In "Visions Of Dune" Szajner used synthesizers, tape recording techniques and also invited some guest musicians - including Magma's singer Klaus Blasquiz - to achieve the sonic atmosphere that translated the book's atmosphere into sounds and music. In the following year, "Some Deaths Take Forever" was released, also using synthetic sounds, and having guests musicians in the line up. "Superficial Music" was released in December 1981, and in 1983 Szajner signed with Island Records and released "Brute Reason" (with ex-Buzzcocks and ex-Magazine member Howard Devoto as guest singer in three songs.) In the mid-eitghties, after releasing two 12-inch EPs more ("The Big Scare", 1984, and "Indécent Délit", 1986) Bernard Szajner decided to abandon music and dedicate himself to visual arts.

In the 2010s Bernard Szajner decided to come back to the music scene, after more than 20 years. French label InFiné re-released his "Visions Of Dune" in 2014, making it possible to a wider and newer audience to know and appreciate Bernard Szajner's music.

My first contact with Mr. Szajner was via Facebook, and then via email for this interview. Always gentle and kind, and even being busy with his projects, concerts, expositions, and lectures, Mr. Szajner found some time in his agenda to answer some questions for this interview!


ASTRONAUTA - What are your earliest memories on music and arts in your childhood and teenage days?

BERNARD SZAJNER - My first perception of music was on a neighbour's "gramophone" where she made me listen to a series of "78 RPM" of which I remember one vaguely, it was a popular song of the '60s... the lyrics were something like... "quand allons nous nous marier, nous marier, mon cowboy adoré"... Then, later, I discovered some French singers like Juliette Greco, Edith Piaf, and of course Jacques Brel whom I discovered later was actually Belgian... It wasn't until the '70s that I discovered "modern" musicians... As for other arts, as a child, my Parents took me a few times to the Opéra where bewildered by the "magic" of the stage I saw my first ballet: "le dac des cygnes" and some Operas like the "Enchanted Flute" and "Obéron", etc...

ASTRONAUTA - What was your first contact with electronic and avant garde music and arts? And which composers and artists influenced you the most, in the early days?

BERNARD SZAJNER - Originally in the '70s, I listened to artists as: Frank Zappa, Terry Riley, King Crimson, Tangerine Dream, Kraftwerk... and I used to create "live" Light-Shows for Rock groups: Gong, Magma, The Who... However after a couple of years of experiencing the work with many groups I became thoroughly disappointed by their lack of interest in my desire to work together in order to establish a "close relationship" between the music and the images... So I thought "is they don't want to work together on this relationship... I will create the music myself"! Having worked also with contemporary music composers such as Pierre Henry and Olivier Messiaes, and having also discovered artists like John Cage, they influenced my later compositions as well as the more "Rock" musicians influenced me...

ASTRONAUTA - Before pursuing a career as an electronic music composer, you worked as the light designer for some artists and bands, including Gong and Magma. How it was to work with those bands, and how it was this transition to you, from working as a light designer for other artists to go on with your own career as a musician and light performer?

BERNARD SZAJNER - As hinted previously, working with these bands was wonderful but also frustrating! But when I decided to "compose" the music myself, new problems arose: how would I play when I couldn't even find a C on a keyboard? These difficulties became so obsessive that I entirely forgot to work on the images and light and was obliged to "put aside" the "close relationship" I had aimed for... I became quickly obsessed with the "composition" and with two borrowed Oberheim synthesizers and one sequencer, started generating hundreds of "loops" that I recorded on a 2-track tape recorder and later assembled by mixing... When these formed "tracks" I invited several "real" musicians to play additional melodic parts which I would "sing" to them and that they would then play... Actually before generating the loops, I began by generating the "sounds" which evoked for me characters or situations of the book "Dune" that I was reading at the time... And this process formed my first record: "Visions Of Dune" because when I "composed" the material, it was done with "images" of the book in my mind... I also entirely (progressively) stopped listening to other people's music because I was just to busy and obsessed with my own creation... Since the '70s I have never listened to any music except for rare occasions when a friend sends me a link or I pass in the street close to a radio... one last thing... I said before that I was "influenced" by some other composer, yes, I was, but in an abstract way, because, uncapable of "imitating", this influence stayed very "spiritual"...

ASTRONAUTA - You're a pioneer in the use of laser to control musical instruments, having designed the famous laser harp (the Syringe) in the late seventies, but you also have other light-sound inventions. Could you tell us a little bit about those inventions?

BERNARD SZAJNER - Ah, the inevitable laser harp! I had to imagine other ways to generate music that playing on a keyboard to be able to "play" on stage... Coming from the "Light-Show" environment, it was quite easy to reverse the process and "generate sounds from light"... I was just back from the German tour of The Who where I had used lasers to produce their first ever light show using lasers... so I imagined the instrument... a couple of years or so, dissatisfied by the "too dramatic and too spectacular" attractive POWER  of the instrument (people wouldn't even listen to the music)... I imagined other instruments and destroyed my laser harp... Nowadays, I am pleased to amuse myself by creating a new generation of instruments that oblige me to physically "fight" with them, they must have parts which should be pulled, twisted, hit, slap, caressed, seduced, etc, to respond and generate the music... This is completed by the fact that I created a random "mischievous defect" which obliges me to be constantly tense, constantly uneasy, expecting problems that sometimes appear and sometimes not... This obliges me to be "sharp" for each performance... and lastly, I have been able to "return" to my ambitious idea of establishing a "close relationship" between music and visuals... Contrary to many DJs approach to creation who are proud to combine music and lighting via "perfect" software, relying on our lazy part of the brain that is satisfied by a primitive relationship between "tempo" and "lighting" (an automatic flash on every beat), I aim for a much more subtle relationship which I name "synchronicity " instead of "synchronization"... much like in Indian music (and Magma's) where some musicians may seem to wander in separate rhythmic and musical directions but once in a while, for example every 37 beats, they will be "in sync"... This creates a form of "elation", of "uplifting"!... but this "spiritual" musical relationship took me about 40 years to imagine...

ASTRONAUTA - In the early days of your musical career, how it was to create avant garde music in France, the country that gave Pierre Schaeffer and the musique concrète to the world? Do you feel, or felt at some point of you career, the weight of being an avant garde/electronic artist in France?

BERNARD SZAJNER - No weight at all... I do take life very seriously to the point of trying to take it very lightly :)... And I consider, myself still as a "composer" of light, images, sounds, music, dance, movement, emotions... therefore a "jack of all trades" and, as we say in French: "un saltimbanque"... This does not prevent me from being faithful to the "avant garde" spirit as I stay in close relationship with the IRCAM, where I will create a conference about my unusual approach to music instruments for the end of the year, followed by two performances... one in solo and one with a "techno" composer...

ASTRONAUTA - What instruments and equipments did you use in your first recordings? Do you still have some of the equipment you used in the seventies and early eighties?

BERNARD SZAJNER - First record: a two-track tape machine and borrowed synths, long gone! Then I bought some synths and sequencers and a second two-track tape machine, plus a four-track to mix, long gone too... Later, I bought some massive modular synths (RSF) and a digital sequencer that would bug quite often, plus a 16-track Teac machine... Then I stopped music for twenty years and offered my synths (except for a PPG that I still have) to a school... When I started music again, I had almost nothing left... But MIDI had arrived in the meantime and computers too... So I re-adapted to this "new world" starting all over again with a small portable Mac and "Reason" software...

ASTRONAUTA - You released both solo and collaborative albums between 1979 and 1983, then signed with Island Records and then, in 1986, you decided to put your musical career on a second place in your life. What made you decide that, and what made you decide to take your musical career back, some years ago?

BERNARD SZAJNER - One day I found out that the music I was producing didn't "mean" anything anymore, it contained no spirit, it was "empty", it was just notes, one after the other, meaningless music (nice title for a record :)... I had to stop! Absolutely, with no regrets! Which I did and went into another form of creation: "visual arts", that I keep creating nowadays, showing my work in art galleries... Then one day, a young guy who was organizing a music festival near Paris said to me: "your music is the most frequent one on my turntable and I am about to produce my last festival and can't imagine that you wouldn't be in it"... So I decided to play in the "VISIONSONIC" festival, being very "rusty" had to reinvent everything... I played there and got bitten by the bug again and here I am...

ASTRONAUTA - What are your most recent works, and plans to the future?

BERNARD SZAJNER - When the French Label InFiné decided that I should be re-discovered by the "kids" and re-issued my first album "Visions Of Dune", I had already composed material for 4 albums... I will wait for InFiné to make this music available to the public as they seem fit... And meanwhile I play some of it already live on stage... I am not so young (except in my spirit :) so, for me, every opportunity to play is a small miracle and I love every one of these opportunities... really!... So my plans are to continue loving to play live, create more of my "demons" (my instruments), and composing music and images forever!

ASTRONAUTA - Thank you, Mr. Szajner. I hope to meet you someday here in Brazil!

BERNARD SZAJNER - Thank you Mister Fabricio Pinguim, I do hope that your wish may be fulfilled... I would love to meet you "live" and play (also maybe with you) in Brazil!

www.szajner.net



Entrevista com Bernard Szajner


Bernard Szajner nasceu em Grenoble, cidade situada no sudoeste da França, no dia 27 de junho de 1944. Pioneiro na utilização de lasers e artes visuais aliados à música, Szajner trabalhou como light designer para bandas de rock mundialmente conhecidas como Gong, Magma, e The Who na década de 70. Sentindo a necessidade de uma relação mais próxima entre a música e a iluminação nas apresentações, e percebendo que a maior parte dos músicos não compartilhava destes mesmos sentimentos, Szajner decidiu que criaria sua própria música para preencher e completar suas performances visuais, dando início assim a um conceito completamente novo de espetáculo de Sons e Luzes.


Em 1979, Bernard Szajner lançou (sob a alcunha de Zed) seu primeiro LP, "Visions Of Dune". O álbum era todo baseado em personagens e situações extraídas do famoso livro "Dune", escrito por Frank Herbert em 1965. Em "Visions Of Dune" Szajner utilizou sintetizadores, técnicas de gravação em fita e também convidou alguns músicos para participar - incluindo o cantor da banda Magma, Klaus Blasquiz - para alcançar uma atmosfera sonora que traduzisse o livro em sons e música. No ano seguinte "Some Deaths Take Forever" foi lançado, também utilizando sons sintetizados e contando com músicos convidados durante a gravação. "Superficial Music" foi lançado em Dezembro de 1981 e em 1983 Szajner assinou um contrato com a Island Records, para o lançamento de "Brute Reason" (com o ex-Buzzcocks e ex-Magazine Howard Devoto como vocalista convidado em três faixas.) Na metade dos anos 80, depois de lançar dois EPs doze polegadas ("The Big Scare", de 1984, e "Indécent Délit", de 1986) Bernard Szajner decidiu abandonar a música e dedicar-se exclusivamente às artes visuais.

Na década de 2010, Bernard Szajner decidiu retomar sua carreira na cena musical, depois de mais de 20 anos longe dos palcos e estúdios de gravação. O selo Francês InFiné relançou seu "Visions Of Dune" em 2014, tornando possível que um público maior conhecesse e passasse a apreciar a música de Bernard Szajer. 

Meu primeiro contato com o Sr. Szajner foi via Facebook e, na sequência, por email para realizarmos esta entrevista. Sempre muito gentil e generoso, mesmo estando muito ocupado com seus inúmeros projetos, concertos, exposições e palestras, o Sr. Szajner arrumou um tempo na sua agenda para responder algumas perguntas nesta entrevista!


ASTRONAUTA - Quais são as suas memórias mais remotas sobre música e artes durante a sua infância e adolescência?

BERNARD SZAJNER - Minha primeira percepção musical foi no "gramofone" de uma vizinha, que me fazia ouvir vários discos de 78 rotações, dos quais eu lembro de um, vagamente, com uma canção popular dos anos 60... A letra era mais ou menos assim... "quand allons nous nous marier, nous marier, mon cowboy adoré"... Então, mais tarde, eu descobri alguns artistas franceses, cantoras como Juliette Creco, Edith Piaf e, naturalmente, o cantor Jacquel Brel, que somente mais tarde descobri, era belga... Não foi antes dos anos 70 que eu descobri os músicos "modernos"... Quanto às outras artes, na infância meus pais me levaram algumas vezes ao Opéra onde, encantado pela "mágica" no palco, eu assisti meu primeiro ballet: "le dac des cygnes" e algumas óperas como "A Flauta Mágica" e "Oberon", etc...

ASTRONAUTA - E quanto aos seus primeiros contato com a música e arte de vanguarda e eletrônica? Quais os compositores que mais te influenciaram, no início da carreira?

BERNARD SZAJNER - Originalmente, nos anos 70, eu escutava artistas como Frank Zappa, Terry Riley, King Crimson, Tangerine Dream, Kraftwerk... E eu trabalhava como designer de Light-Shows "ao vivo" para bandas de rock: Gong, Magma, The Who... Contudo, depois de alguns anos de experiência trabalhando com várias bandas, eu fui me desapontando pela falta de interesse no meu desejo de trabalhar de forma mais próxima e colaborativa, para estabelecer uma "relação íntima" entre a música e as imagens... Então, pensei "se eles não querem trabalhar juntos nesta relação... Vou criar eu mesmo a minha música!" Eu havia trabalhado com compositores contemporâneos como Pierre Henry e Olivier Messiaen, e tinha também descoberto artistas como John Cage, e estes artistas influenciaram minhas composições mais adiante, assim como os músicos de "Rock" me influenciaram...

ASTRONAUTA - Antes uma seguir a carreira como compositor de música eletrônica, você trabalhou como light designer com alguns artistas e bandas, incluindo Gong, Magma, e The Who. Como foi trabalhar com estas bandas, e como foi a transição, para você, de trabalhar como light designer para outros artistas para seguir com sua própria carreira como músico, compositor e light performer?

BERNARD SZAJNER - Como comentei anteriormente, trabalhar com estas bandas era maravilhoso, mas também frustrante! Mas, quando eu decidi "compôr" a música eu mesmo, novos problemas surgiram: como eu iria tocar se eu nem mesmo sabia como encontrar um simples Dó no teclado? Essas dificuldades tornaram-se tão obsessivas que eu esqueci completamente de trabalhar nas imagens e luzes, e fui obrigado a "colocar de lado" a "relação íntima" que eu tanto queria... Rapidamente eu me tornei obcecado pela "composição" e, com dois sintetizadores Oberheim e um sequencer emprestados, comecei a criar centenas de "loops" que eu registrava em um gravador de fita, de dois canais, e depois mixava. Quando estas gravações se tornavam "trilhas", eu convidava alguns músicos "de verdade" para adicionarem partes melódicas que eu "cantarolava" para que eles pudessem conhecer e tocar... Na verdade, antes de criar os loops, eu começava criando os "sons" que evocavam, para mim, personagens ou situações do livro "Dune", que eu estava lendo no período... E o processo todo deu forma ao meu primeiro disco: "Visions Of Dune", porque quando eu "compus" o material, eu estava cheio de "imagens" do livro na minha mente... Eu também parei completamente (progressivamente) de escutar músicas de outras pessoas, porque eu estava tão ocupado e obcecado com minha própria criação... Desde os anos 70 eu nunca ouço música alguma, exceto em raras ocasiões, quando alguns amigos me enviam um link, ou quando eu estou andando na rua e passo perto de um rádio... Ah, uma última coisa... Eu disse anteriormente que eu fui "influenciado" por alguns compositores, sim, eu fui, mas de uma forma abstrata porque, incapaz de "imitar", esta influências aconteceu mais num plano "espiritual"...

ASTRONAUTA - Você é pioneiro no uso de lasers para controlar instrumentos musicais, tendo não só projetado a famosa "laser harp" (The Syringe), no final dos anos 70, como também criado outros equipamentos de som e luz. Você poderia nos contar um pouco sobre estas criações, projetos e invenções?

BERNARD SZAJNER - Ah, a inevitável "laser harp"! Eu tive que imaginar outras maneiras de criar música, que não fossem utilizar somente o teclado, para "toca-las" no palco...Vinde de um contexto de "Light-Show", foi relativamente fácil reverter o processo e "gerar sons a partir da luz"... Eu estava voltando de uma tour na Alemanha com o The Who, onde eu havia utilizado lasers para produzir o primeiro show deles utilizando esta tecnologia... Então eu imaginei o instrumento... Alguns anos mais tarde, eu passei a ficar instatisfeito com o PODER atrativo do instrumento, "demasiadamente dramático, demasiadamente espetacular" (as pessoas nem mesmo ouviam a música)... Eu imainei outros instrumentos e destruí minha laser harp... Hoje em dia, eu fico feliz que tenha consiguido me superar, criando uma nova geração de instrumentos que me obrigam a, fisicamente, "brigar" com eles. Eles tem partes que devem ser puxadas, giradas, batidas, acariciadas, seduzidas, etc, para responder e gerar a música... E isto se completa com o fato de que eu criei um "defeito complicado", aleatoriamente, que me obriga a estar constantemente tenso, constantemente desconfortável, a espera de problemas que às vezes surgem e às vezes não surgem... Isso me obriga a ficar "alerta" em cada apresentação... e, finalmente, eu decidi "retomar" minha idéia ambiciosa de estabelecer uma "relação íntima" entre a música e os elementos visuais... Ao contrário de muitos DJs, que buscam criar uma combinação de música e luz "perfeita", através de softwares precisos, se prendendo somente à parte preguiçosa do cérebro, que se satisfaz com uma relação primária entre "tempo" e "iluminação" (um flash automático a cada batida), eu busco por algo muito mais sutil, uma relação que eu nomeei "sincronicidade" ao invés de "sincronização"... muito como na música Indiana (e na música do Magma) onde alguns músicos parecem estar perdidos em diferentes ritmos e direções musicais, mas que a cada 37 compassos, por exemplo, estão "sincados"... Isto cria uma forma de "exaltação" ou de "felicidade"!... Mas eu levei 40 anos para perceber essa relação "espiritual" com a música...

ASTRONAUTA - No início da sua carreira musical, como era criar música de vanguarda na França, o país que deu ao mundo o Pierre Schaeffer e a musique concrète? Você sente, ou sentiu em algum ponto da sua carreira, alguma espécie de peso por ser um artista de vanguard/música eletrônica na França?

BERNARD SZAJNER - Nenhum peso... Eu levo a vida tão a sério, a ponto de tentar fazer tudo ficar muito leve :)... E eu me considero um "compositor" de luzes, imagens, sons, música, dança, movimentos, emoções... um "faz-tudo" e, como dizemos em Francês: "un saltimbanque"... Contudo, isso não me priva de ser leal ao espírito "avant garde", eu mantenho uma relação com o IRCAM, onde eu realizarei uma conferência sobre minha abordagem incomum, minha relação incomum com os instrumentos musicais, no final do ano, seguido de duas apresentações... Uma sozinho e outra com um compositor de "techno"...

ASTRONAUTA - Quais os instrumentos e equipamentos que você utilizou nas duas primeiras gravações? Você ainda possui alguns dos equipamentos que utilizava nos anos 70 e início dos 80?

BERNARD SZAJNER - Primeiro disco: um gravador de fitas de dois canais e sintetizadores emprestados, faz tempo que não tenho mais! Então eu comprei alguns sintetizadores e sequencers, e também um segundo gravador de dois canais, além de um gravador de quatro canais para as mixagens, também faz tempo que não tenho mais... Mais adiante, eu comprei um enorme sintetizador modular (RSF) e um sequencer digital que quase sempre dava problemas. Comprei também um gravador Teac de 16 canais... Então eu parei de fazer música por vinte anos, e dei meur sintetizadores (exceto um PPG, que eu ainda tenho) para uma escola... Quando eu voltei para a música, quase nada tinha sobrado... Mas a tecnologia MIDI havia chegado neste meio tempo, e também os computadores... Me readaptei a este "mundo novo", recomeçando praticamente do zero, com um Mac portátil e um software "Reason"...

ASTRONAUTA - Você lançou tanto discos solo quanto colaborativos entre 1979 e 1983. Daí assinou com a Island Record e, na sequência, em 1986, decidiu colocar sua carreira musical em segundo plano na sua vida. O que fez você tomar esta decisão, e o que fez você decidir retomar a carreira musical, há alguns anos?

BERNARD SZAJNER - Um dia eu percebi que a música que eu estava criando não "significava" nada mais, não tinha alma, era "vazia", apenas notas, uma depois da outra, música sem sentido (bom nome para um disco :)... Eu tinha que parar! Completamente, sem ressentimentos! Foi o que fiz, e parti para outra forma de criação: "artes visuais", que eu sigo criando hoje em dia, apresentando meu trabalho em galerias de arte... Então, um dia, um rapaz que estava organizando um festival de música perto de Paris me disse: "sua música é a que mais frequenta meu toca-discos, e eu estou produzindo meu último festival, e não consigo imaginá-lo sem você participando"... Então, eu decidi que tocaria no "VISIONSOUND", mesmo "enferrujado" e tendo que reinventar tudo de novo... Eu toquei no festival e fui "mordido pelo inseto" novamante. E aqui estou...

ASTRONAUTA - Quais são seus trabalhos mais recentes e planos para o futuro? 

BERNARD SZAJNER - Quando o selo Francês InFiné decidiu que eu deveria ser redescoberto pelas "crianças" e relançou meu primeiro álbum, "Visions Of Dune", eu já havia composto material para mais quatro discos... Eu vou esperar pela InFiné para disponibilizar estas músicas para o público quando eles acharem conveniente... E, enquanto isso, eu toco algumas destas músicas nas apresentações... Eu não sou mais tão jovem (exceto de espírito :) então, para mim, toda e qualquer oportunidade para tocar é tipo um pequeno milagre, e eu adoro todas estas oportunidades... de verdade!... Então, meus planos são continuar gostando de tocar ao vivo, criar mais alguns dos meus "demônios" (meus instrumentos), e continuar compondo músicas e imagens para sempre!

ASTRONAUTA - Muito obrigado, Mr. Szajner. Eu espero encontra-lo algum dia desses, aqui no Brazil! 

BERNARD SZAJNER - Obrigado, Mister Fabricio Pinguim, eu espero que seu desejo se concretize... Eu adoraria encontra-lo "ao vivo" e tocar (quem sabe com você) no Brazil!

www.szajner.net



Monday, March 30, 2015

Interview with Charles Shere


Charles Shere was born on August 20, 1935, in Berkeley, California, USA. In his childhood he took piano and violin lessons and, a little later on, he also studied woodwind instruments. He studied music and English literature at Chapman College, Santa Rosa Junior College, San Francisco State University, and the University of California at Berkeley, where he graduated com laude in 1960.

In the early '60s, Mr. Shere studied composition with Robert Erickson privately and at the San Francisco Conservatory, and with Luciano Berio at the Mills College. In the mid-sixties, he was the Musical Director of KPFA, in Berkeley, one of the main Radio Stations in broadcasting avant garde music. His works as a composer includes pieces for piano, violin, orchestra (Nightmusic, 1967; Symphony in Three Movements, 1989; concertos for piano, 1964; for violin, 1989), poet speaking in tongues and chamber orchestra (Tongues), soprano and violin (Certain Phenomena of Sound, 1983,) and, among many other pieces, an opera called 'The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even' (1986,) based on a painting by French-American artist Marcel Duchamp. His books include 'Thinking sound music: the life and work of Robert Erickson', a biography on American composer Robert Erickson; 'Getting There', a memoir covering the period in which we focused to realize this interview; and the newly published 'Venice and the Idea of Permanence', with essays on art, cuisine, music, and other subjects. He also has a restaurant called Chez Panisse with his wife Lindsey Remolif Shere and other partners, and he runs an interesting blog, that you can visit here: http://cshere.blogspot.com.br/

You can also visit Mr. and Mrs. Shere's official website: www.shere.org

My first contact with Charles Shere to make this interview possible was via Facebook, and then via email. I'd like to thank him so much, for giving us some time to answer to my questions. Thank you so much, Mr. Shere! And now, here's the interview:


ASTRONAUTA - Mr. Shere, what are your memories from your first contact with music and arts? And which instrument was your first choice?

CHARLES SHERE - My earliest memory is of my playing violin in a children's orchestra at the San Francisco World's Fair on Treasure Island, which closed, I believe, in 1940 or 1941 (I turned six years old in August 1941). We played a piece called the Kitty-Cat Waltz, which involved glissandi on the E string, and the little girl sitting next to me wet herself during the concert, out of nerves. That's all I recall of that.

At that age I took violin and piano lessons, but from 1942 until 1949 I took no further lessons and had no instrument at hand.

When I started high school, fall 1949, I signed up for instrumental music. My chief instrument was the bassoon, but I also learned the other woodwind except flute, the French horn, and the tuba. There were no stringed instruments at my school.

When I went away to college I played a little bit of French horn, as I never owned a bassoon of my own. I joined the college orchestra, and was asked to play the bassoon parts on the horn, as no bassoon was available. When our concert was finally played, though, a bassoonist was hired, so I was made to play triangle in "Caucasian Sketches," but second horn in a Haydn symphony.

ASTRONAUTA - And how about your first contact with the avant garde music and arts? And which composers most influenced your own compositions?

CHARLES SHERE - First contact: a concert of chamber music by Anton Webern at UC Berkeley, about 1958; a noon concert of music by LaMonte Young and Terry Riley (who were then students at UC Berkeley) at about the same time; a concert of music by John Cage with Cage and Tudor in San Francisco, 1960. It took a few years for me to come to terms with this music, but I immediately found it fascinating. In those years the radio station KPFA broadcast a series called "Contemporary Music in Evoution," curated and produced by Gunther Schuller, and broadcasts from Donaueschingen and other festivals.

Influences on me: Weber; Ives; Satie; Earle Brown; Roman Haubenstock-Ramati; Cage I suppose; Erickson.

ASTRONAUTA - In the early sixties you've studied with Robert Erickson and, later on, you also wrote a book on him, "Thinking Sound Music: The Life and Work of Robert Erickson." How are your memories about the first time you've met Mr. Erickson, and also about your last contact with him? (If your don't mind to remember and tell us about that.)

CHARLES SHERE - I think I was introduced to Erickson by Gernhard Samuel, who was conducting the Oakland Symphony, and from whom I took a few conducting lessons. I recall few specific things about Erickson's teaching, which seemed very indulgent, supportive, gentle. He taught us - I studied in a class at the San Francisco Conservatory, as well as privately - he taugh us to use a circular slide rule to "modulate" among tempi, by changing the beat from e.g. a quarter note to a quarter tied to a triplet eighth, then use that as the new tempo for a quarter, and so on. He also introduced us to the lettering angle and the Rapidograph to allow us to drawn our own staves, which I now recognize liberated us from conventions, an important aspect of his teaching.

After he moved to San Diego, to help set up the music department at UC San Diego, I saw very little of him; but when I began the biography I tried to get down to see him every year or so. He was quite ill his last few years. Shortly before he died he asked when my book was appearing. Not until I finish it, I said. Well, finish it, he said. He never mentioned that another book was also in the works, by another writer.

ASTRONAUTA - And how about Luciano Berio, another of your composition teachers?

CHARLES SHERE - Two anecdotes: I sat down early in his classroom; he was at the blackboard, finishing writing out a gorgeous melody that I took to be J. S. Bach. When I said how beautiful it was, he grinned and said he'd just thought it up. On another occasion he was rehearsing an ensemble in his "Circles," and the harpist complained that his writing was too percussive for the instrument. You don't understand the harp, the player said, the harp is a complex instrument, half female, half male. Well, Berio said contemptuously, looking down at his trousers, I'm all male.

Of Berio's teaching I chiefly remember exercises involving magic squares of numbers, that sort of thing. Not much looking at one's ongoing work and encouraging changes and developments, which Erickson did very well.

ASTRONAUTA - In the mid-sixties you were the Musican Director of KPFA, one of the most important vehicles on promoting the avant garde arts in its time. It was also at that time that the psychedelic rock scene began to call attention to California, mainly to the San Francisco Bay Area. How do you see and describe the importance of KPFA, and how do you relate the radio station to other radio stations of that period of time?

CHARLES SHERE - Briefly put, the importance of KPFA, through the 1960s - I resigned as Music Director in 1967, and left the station completely by 1970 - its importance was in making accessible new and unusual music from other parts of the world. There were few commercial recordings of such music in those days, and of course no Internet. There were also discussions, reviews, and interviews - I interviewed Boulez, for example, and Feldman, and Cage, and Stockhausen, always using such opportunities to dig into their thinking and work to try to comprehend it, and often quite deliberately copying, to get into their hands. (I had been taught to do that in my very conservative theory classes at Chapman College, Los Angeles, in 1953; and besides, in those days before copy machines, since I couldn't afford scores by Webern, for example, I copied them at the library.)

I myself was never attracted to rock, but many of the emerging rock musicians had themselves been exposed to new things by KPFA. I commuted to Mills College for my lessons with Berio, for example, with Phil Lesh and Tom Constanten, before Phil helped form The Grateful Dead - he'd played trumpet in music I wrote for a UC Berkeley production of a Tennessee Williams play (Camino Real) about 1960.

KPFA had a sister station at that time in New York (WBAI) and Los Angeles (KPFK), but it's my impression that the San Francisco Bay Area was more innovative than either New York or Los Angeles, probably because it had been more isolated.

The advent of sharing technologies like cassette tape helped to move radio away from its very significant position as facilitator of the experimental. It was perhaps no longer so important. And of course the avant garde quickly developed very successful new followings, always a little suspiciously commercial to my mind, but very significant socially. I was lucky to be in the Bay Area, and at KPFA, at an inspiring and inspired transitional moment.

ASTRONAUTA - How do you see the present, and foresee the future of the avant garde music and arts?

CHARLES SHERE - I see I've begun to approach that question already. Fifty years ago many thought that after John Cage, after Marcel Duchamp, there was little left to discover. Ezra Pound's admonishment to "Make It New!" seemed impossible to obey; it was time to return to already discovered continents and investigate in greater detail great expanses the pioneers had leapfrogged in their rush to discovery. Of course it was said Joyce had finished the novel, but seventy-five years of publishing has followed the appearance of Finnegans Wake.

One replacement for the musical avant garde of the 1960s has been World Music, which the new technologies and the new global economy have facilitated - it began to affect the more traditionally rooted avant garde by 1970, when Steve Reich and Phil Glass brought African ideas to "minimalism," and it is now crossing into a commercialized entertainment wing of serious music through such performers as the Kronos Quartet and Yo Yo Ma's Silk Road Project.

But as to foreseeing the future, as some great thinker once pointed out, if one could do that, it wouldn't be the future, would it?

ASTRONAUTA - And, one last question, how do you relate your other interests to music and writing?

CHARLES SHERE - I think the greatest gift to humanity was the creative intellectual curiosity. As Lou Harrison liked to say: I like a lot of toys, and a big playpen. Music; literature; visual art; theater; travel; nature - the more one embraces, and the more closely one examines it, the richer one's life is, and the more frequent and memorable its pleasures.

So I spend my time reading and writing, traveling and contemplating, conversing and listening, much as I have done this last hour writing out these answers. I will be eighty years old this summer, and I enjoy my age. I am finally comfortable with the idea that I have begun to understand some things, or at least to comprehend them. Most of it can't be put into words, of course, but one continues to try.

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Charles Shere

Entrevista com Charles Shere


Charles Shere nasceu no dia 20 de Agosto de 1935, em Berkeley, California, USA. Na infância, ele teve aulas de piano e violino, bem como estudou instrumentos de sopro, um pouco mais adiante. Ele estudou música e literatura Inglesa no Chapman College, Santa Rosa Junior College, San Francisco State University e na University of California em Berkeley, onde graduou-se com louvor em 1960.

No início dos anos 60, Charles Shere estudou composição com Robert Erickson, tanto particular quanto no San Francisco Conservatory, e com Luciano Berio no Mills College. Na metade dos anos 60, ele foi nomeado Diretor Musical da KPFA, em Berkeley, uma das principais estações de rádio a transmitir música avant garde na sua programação. Os trabalhos de Shere como compositor incluem peças para piano, violino, orquestra (Nightmusic, 1967; Symphony in Three Movements, 1989; concertos para piano, 1964; para violino, 1989), poeta falando em línguas e orquestra de câmara (Tongues), soprano e violino (Certain Phenomena of Sound, 1983) e, entre tantas outras peças, destaca-se a opera 'The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even' (1986), baseada em uma pitura do artista Franco-Americano Marcel Duchamp. Seus livros incluem 'Thinking sound music: the life and work of Robert Erickson', biografia do compositor Robert Erickson; 'Getting There', um livro de memórias focado justamente no período que abrange esta entrevista; e o recém publicado 'Venice and the Idea of Permanence', com ensaios sobre arte, culinária, música e outros assuntos variados. Ele também tem um restaurante chamado Chez Panisse, com sua esposa e outros sócios, e também mantém um blog muito interessante, que você pode visitar pelo link: http://cshere.blogspot.com.br/

O website oficial do Charles Shere e da sua esposa é: www.shere.org

Meu primeiro contato com o Senhor Shere para realizar esta entrevista foi via facebook e, na sequencia, via email. Gostaria muito de agradece-lo publicamente, por dar-nos um pouco do seu tempo respondendo minhas perguntas. Muito obrigado, Sr. Shere! E aqui segue a entrevista:


ASTRONAUTA - Charles Shere, quais são as suas memorias sobre o seu primeiro contato com a música e as artes? E qual foi seu primeiro instrumento musical?

CHARLES SHERE - Minha memória mais remota é de tocar violino em uma orquestra infantil na Feira Mundial de San Francisco, na Treasure Island, que fechou, acredito eu, em 1940 ou 1941 (eu completei seis anos de idade em Agosto de 1941). Nós tocamos uma peça chamada Kitty-Cat Waltz, que incluia uma glissando na corda de Mi, e uma garotinha que estava sentada perto de mim se mijou durante o concerto, porque ficou muito nervosa. É tudo o que eu me lembro desta ocasião.

Na mesma época eu tive aulas de violino e piano, mas de 1942 a 1949 eu não estudei nem tinha a disposição nenhum instrumento musical.

Quando eu comecei o segundo grau, no Outono de 1949, eu me matriculei para as aulas de música instrumental. Meu instrumento principal era o fagote, mas eu também aprendi vários outros instrumentos de sopro, menos flauta, trompa e tuba. Não existiam instrumentos de corda na minha escola.

Quando eu saí do colégio, toquei um pouco de trompa, até porque eu nunca tive meu próprio bassoon. Eu juntei-me à orquestra do colégio, e fui convidado a tocar as partes de fagote na trompa, até porque não tinha nenhum fagote disponível. Quando o concerto finalmente aconteceu, entretanto, um fagotista foi contratado, então eu fui realocado para tocar triangulo na peça "Caucasian Sketches", mas segundo trompa em uma sinfonia de Haydn.

ASTRONAUTA - E quanto ao seu primeiro contato com a música e a arte de vanguarda? Quais compositores mais influenciaram as suas próprias composições?

Primeiro contato: um concerto de música de câmara, com peças do Anton Webern, na UC Berkeley, mais ou menos em 1958; um concerto ao meio-dia, com peças do LaMonte Young e do Terry Riley (que eram então alunos da UC Berkeley), mais ou menos no mesmo ano; um concerto com peças do John Cage, com o próprio Cage e o David Tudor, em San Francisco, 1960. Levou algum tempo, alguns anos, para chegar em um acordo com este tipo de música, mas eu imediatamente a achei fascinante. Naqueles tempos, a estação de rádio KPFA transmitia uma série chamada "Contemporary Music in Evolution," com curadoria e produção de Gunther Schuller, e também transmitia ao vivo de Donaueschingen e outros festivais.

Minhas influências: Webern; Ives; Satie; Earle Brown; Roman Haubenstock-Ramati; Cage, eu suponho; e Erickson.

ASTRONAUTA - No início dos anos 60, você estudou com Robert Erickson e, mais tarde, também escreveu um livro sobre ele (Thinking Sound Music: The Life and Work of Robert Erickson.) Quais as suas memórias sobre a primeira vez que você teve contato com o Robert Erickson, e também sobre o seu último contato com ele, se você não se importar de entrarmos no assunto?

CHARLES SHERE - Eu acho que fui apresentado ao Erickson pelo Gerhard Samuel, que era o regente da Oakland Symphony, e com quem eu tive algumas aulas de regência. Eu lembro poucas coisas especificas sobre os métodos de lecionar do Erickson, que pareciam muito tolerantes, embasados e gentis.  Ele nos ensinava - ei estudei com ele no San Francisco Conservatory, bem como particularmente - ele nos ensinava a usar a régua de medir ângulos para "modular" o tempo, mudando os ritmos de, por exemplo,  de uma semínima para uma semínima pontuada, para uma colcheia, e então utilizar esta como o novo tempo para a semínima, e assim por diante. Ele também nos apresentou às formas angulares de tipos e ao Rapidograph, que permitia-nos desenhar nossos próprios marcadores que, hoje em dia reconheço, libertava-nos das convenções, e este era um aspecto importante dos seus ensinamentos.

Depois de mudar-se para San Diego, para ajudar a projetar o departamento de música na UC San Diego, eu o ví poucas vezes; mas quando comecei a escrever sua biografia, eu tentava ir visita-lo a cada ano, pelo menos. Ele estava bastante doente, nos ultimos anos de vida. Um pouco antes de falecer, ele me perguntou quando meu livro seria lançado. Não até eu acaba-lo, eu dizia. Bom, acabe, ele dizia. Ele nunca mencionou que outro livro estava sendo escrito, por outro autor.

ASTRONAUTA - E quanto a Luciano Berio, outro dos seus professores de composição?

Duas histórias engraçadas: eu cheguei cedo em uma das suas aulas; ele estava no quadro negro, terminando de escrever uma melodia deslumbrante, que eu tomei como sendo do J. S. Bach. Quando eu disse a ele o quão bonita a melodia era, ele sorriu e disse que ele recem a havia pensado. Em outra ocasião, ele estava ensaiando um conjunto para apresentar sua peça "Circles", e o harpista reclamou que sua escrita era muito percussiva para o instrumento. Você não entende a harpa, o músico disse, a harpa é um instrumento complexo, metade fêmea, metade macho. Bem, disse Berio com desdém, olhando para suas calcas, eu sou macho por inteiro.

Das aulas de Berio eu lembro principalmente dos exercicios envolvendo quadrados mágicos de númeors, aquele tipo de coisa. Não muito preocupado com o andamento do trabalho, mudanças e desenvolvimentos, como Erickson fazia muito bem.

ASTRONAUTA - Na metade dos anos 60 você passou a ser o Diretor Musical da KPFA, um dos mais importantes veículos na promoção das artes de vanguarda do seu período. Era também a época em que a cena rock psicodélica passou a chamar a atenção para a California, principalmente para a cidade de San Francisco. Como você vê e descreve a importancia da KPFA, e como você relaciona a rádio com outras estações do mesmo período?

CHARLES SHERE - Resumidamente, a importância da KPFA, durante os anos 60 - eu assumi o posto de Diretor Musical em 1967, e me desliguei completamente da estação em 1970 - sua importância foi em tornar acessível uma música nova e incomum, vinda de várias partes do mundo. Haviam poucas gravações comerciais deste tipo de música naquela época e, naturalmente, não havia Internet. Também haviam discussões, resenhas e entrevistas - eu entrevistei o Boulez, por exemplo, e o Feldman, o Cage, o Stockhausen, sempre aproveitando a oportunidade para tentar entrar um pouco nos seus pensamentos e no seu trabalho, para tentar compreender, e muitas vezes eu deliberadamente copiava, para ter um maior conhecimento do funcionamento. (Haviam me ensinado a fazer isto nas minhas primeiras aulas de teoria musical no Chapman College, em Los Angeles, em 1953; e, além disso, naqueles dias pré-máquinas copiadoras, como eu não podia adquirir as partituras de Webern, por exemplo, eu as copiava na biblioteca.)

Eu mesmo nunca senti nenhuma atração por rock, mas vários dos músicos de rock emergentes tiveram suas primeiras exposições a coisas novas através da KPFA. Eu me transferi para o Mills College para minhas aulas com Berio, por exemplo, juntamente com Phil Lesh e Tom Constanten, antes de Phil ajudar a formar o Grateful Dead - ele tocou trumpete em uma peça que eu escrevi para uma produção da UC Berkeley de uma peça do Tennessee Williams (Camino Real), por volta de 1960.

A KPFA tinha estações irmãs naquela época, em New York (WBAI) e Los Angeles (KPFK), mas minha impressão é de que a San Francisco Bay Area era mais inovadora do que New York e Los Angeles, provavelmente por que é uma região mais isolada.

O advento das tecnologias de compartilhamento, como a fita cassette, ajudaram a tirar o rádio desta significante posição como um facilitador da difusão de experiências. Talvez não fosse mais tão importante. E, naturalmente, a vanguarda rapidamente desenvolveu, com muito exito, novos seguidores, sempre com um apelo suspeitosamente comercial, na minha visão, mas muito significante no aspecto social. Eu tive sorte de estar na Bay Area e na KPFA em um momento de transição bastante inspirado e inspirador.

ASTRONAUTA - Como você vê o presente e prevê o futuro da música e das artes de vanguarda?

CHARLES SHERE - Eu percebo que já comecei a tocar neste assunto. Há cinquenta anos, muitos achavam que depois do John Cage, depois do Marcel Duchamp, havia pouca coisa mais a ser descoberta. O conselho de Ezra Pound para se "Fazer o novo!" parecia ser impossível de ser obedecido; era a hora de retornar a continentes já descobertos e investigar mais detalhadamente as grandes expansões que os pioneiros haviam alcançado na sua corrida pela descoberta. Naturalmente era dito que Joyce havia finalizado seu livro, mas setenta e cinco anos de publicações seguiram-se desde o surgimento de Finnegans Wake.

Uma substituição para a musica avant garde dos anos 60 tem sido a World Music, que as novas tecnologias e a nova economia globalizada têm facilitado o acesso - ela começou a afetar a música de vanguarda mais enraizada e tradicional por volta de 1970, quando Steve Reich e Philip Glass trouzeram ideias Africanas para o "minimalismo", e agora está cruzando em direção a um nicho de entretenimento comercial de música séria, através de conjuntos como o Kronos Quartet e o Silk Road Project, do Yo Yo Ma.

Mas quanto a prever o futuro, como um grande pensador uma vez bem colocou, se alguém pudesse fazê-lo, não haveria então futuro, haveria?

ASTRONAUTA - E, uma última questão, como você relaciona seus outros interesses com a música e a escrita?

CHARLES SHERE - Eu acho que o grande presente da humanidade é a curiosidade criativa e intelectual. Como lou Harrison gostava de dizer: eu gosto de vários brinquedos, e de um grande playground. Musica; literatura; artes visuais; culinária; viajar; Natureza - quanto mais alguém abrange, mais de perto examina, mais rica a vida desta pessoa é, e mais frequentes e memoráveis os prazeres.

Então eu gasto meu tempo lendo e escrevendo, viajando e contemplando, conversando e escutando, bem como eu fiz nesta última hora, respondendo às suas perguntas. Eu completarei 80 anos de idade neste verão, e eu disfruto da minha idade. Eu em sinto finalmente confortável com a idéia de que eu tenho que começar a entender algumas coisas, ou ao menos compreende-las. Muito disto não pode ser colocado em palavras, naturamente, mas a pessoa continua a tentar.

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Charles Shere